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domingo, 5 de julio de 2015

Perfil

Omar Gasca

Omar Gasca nació en la Ciudad de México en 1952 Hizo estudios de dibujo, pintura y escenografía con Miguel Angel Vallejo, y de pintura y modelado con Gonzalo Pozo. En 1970 ingresó a los Talleres Libres de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, en la Academia de San Carlos. Estudió también Mercadotecnia y Publicidad y Producción de Radio y Televisión, además de Lingüística Descriptiva. Por Trinity College tiene credenciales de Filosofía (Humanities) y Comunicación (Media Communication) y es Doctor Honoris Causa en Ciencias Humanas por el CUIH. En 1973 participó por primera vez en una exposición colectiva y en 1974 presentó su primera individual. A partir de esa fecha ha participado en más de 80 exposiciones, entre colectivas e individuales, en México, Francia, Estados Unidos, Argentina, Inglaterra, Alemania, Holanda, Italia. Cuba, Polonia, Canadá y Brasil, entre otros países. Desde 1974 ha publicado artículos, investigaciones y ensayos en varias revistas y diarios, por ejemplo en los suplementos culturales de El Sol de México, Novedades y Unomásuno, en las páginas culturales de los mismos diarios y La Jornada, y en las revistas Artes de México, Arte y Artistas, Sinapsis, Graffiti, Bunch, Sucesos, Pasaporte 2000, Fandangos, The Oxidized Look, Sobre Arte, Aporte, Proyección, Axedres, La Bragueta, T. V. Todo, Fotozoom, Código 9, De cara a México, Notas del Taller, Compuserve, El Hule, Prensa Cultural, Fin de siglo, Performance, Quadro y Primero Sueño, entre otras.
Es autor de los libros publicados Artes Visuales, Estro y lo Otro, Miniedades, Arte como…, El rastro de la experiencia, La región del universo, Efe ocho por uno, Todo pasa, Manual de primeros auxilios para elaborar proyectos, El silencio de F. M., Anatomía, Mujer por partes, Kinetic Conceptual Mirror Art, El Desnudo, Noticias para ustedes, Otra Historia del Arte, Autofotografías de mi más reciente infancia, Cuentos del Rey Eno, Variaciones sobre un tema y La Espiral, y de los inéditos Diez y la palabra, Elementos para la teoría y el análisis formal del arte e Historia de la crítica de arte en México, de 1960 a 1980, escrito por encargo para la División de Estudios de Postgrado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Además de los anteriores libros de imprenta, es autor de alrededor de 70 libros de artista. En su ejercicio docente ha impartido diversas materias en instituciones tales como la Universidad Internacional de La Paz, la Universidad Veracruzana, el Centro Universitario de Ciencias Humanas, La ASEC (ahora CUIH) y el Instituto Latinoamericano de la Comunicación Educativa, entre otras. En 1990 creó el programa de la Maestría en Arte Contemporáneo en México y en 1991 colaboró en la creación del programa de la Especialidad en Literatura Latinoamericana Contemporánea, ambas del actual CUIH. Ha dictado conferencias y participado en congresos en México, Estados Unidos, España, Argentina y Cuba, entre otros países. En 1980 recibió el nombramiento de miembro activo de la Association Internationale des Critiques D’Art y a la fecha es miembro de la Association Internationale des Arts Plastiques, de la Asociación de Artistas Plásticos de México y de Integrarte (Instituto de Integración de las Artes), del cual es fundador. Su ámbito profesional abarca el diseño, la escritura, la investigación, la producción artística, la crítica de arte, la docencia y consultorías y asesorías en planeación y formulación y administración de proyectos. En 2003 se publicó El pensamiento que une: transdisciplina en el quehacer de Omar Gasca, de Alma Ortiz. Sus exposiciones recientes (2007) han sido en Montreal, Canadá (Galería Art Le Sabord), en la ciudad de Xalapa (Galería AP y Galería Marie-Louise Ferrari) y en la ciudad de México (Kalikosmia). Recientemente participó en la reunión-exposición “Pensamiento de Frontera”, donde con la presencia del Premio Nobel Harry Kroto, una serie de científicos y artistas debatieron acerca de los vínculos entre arte y ciencia.


omargasca@hotmail.com

martes, 3 de noviembre de 2009

La última carcajada.../Trivium Plus One

Circula ya el No. 19 (octubre-diciembre) de la revista/obra digital La última carcajada de la cumbancha, versión dance /Trivium Plus One Universitas Club
Sobre la belleza
Ser y realidad en el arte
Poesía
Salsa de nuez
Transitio
Sobre la piratería
Tacones cercanos
Taxi
41 años del 68
Galerías
El circo
Poetry to go
Tarea
América
Y mas... Xalapa: 100 pesos República Mexicana: 150 USA: 20 dólares Envíos a cualquier parte del país.

domingo, 12 de julio de 2009

Curriculum breve, para citar

Omar Gasca es artista visual, crítico de arte, diseñador y académico. Ha participado en alrededor de 80 exposiciones, entre individuales y colectivas en México, Francia, Estados Unidos, Argentina, Inglaterra, Alemania, Holanda, Italia. Cuba, Polonia, Canadá y Brasil, Es autor de 10 libros y de más de 70 libros de artista . De 1974 ha publicado artículos, investigaciones y ensayos en varias revistas y diarios, por ejemplo en los suplementos culturales de El Sol de México, Novedades y Unomásuno, en las páginas culturales de los mismos diarios y La Jornada, y en las revistas Artes de México, Arte y Artistas, Sinapsis, Graffiti, Bunch, Sucesos, Pasaporte 2000, Fandangos, The Oxidized Look, Sobre Arte, Aporte, Proyección, Axedres, La Bragueta, T. V. Todo, Fotozoom, Código 9, De cara a México, Notas del Taller, Compuserve, El Hule, Prensa Cultural, Fin de siglo, Performance, Quadro y Primero Sueño, entre otras. Su ámbito profesional abarca el diseño, la escritura, la investigación, la producción artística, la crítica de arte, la curaduría, la realización de subastas, la docencia y consultorías y asesorías en planeación, formulación y administración de proyectos. En 2003 se publicó El pensamiento que une: transdisciplina en el quehacer de Omar Gasca, de Alma Ortiz. Sus exposiciones recientes (2007) han sido en Montreal, Canadá (Galería Art Le Sabord), en la ciudad de Xalapa (Galería AP y Galería Marie-Louise Ferrari) y en la ciudad de México (Kalikosmia). Recientemente participó en la reunión-exposición “Pensamiento de Frontera”, donde con la presencia del Premio Nobel Harry Kroto, una serie de científicos y artistas debatieron acerca de los vínculos entre arte y ciencia.

Curriculum hasta 1999

(de 99 a la fecha no se ha actualizado ni se actualizará)


Exposiciones
1973 Colectivas Universidades de Kansas y Baltimore. EUA.
1974 Individual Escuela de Arte Teatral de Puebla. INBA. Puebla, Mé-
xico.
1975 Colectiva Galería Pintura Joven de México. Ciudad de México.
Individual Galería ILES. Ciudad de México.
Colectiva Fullham Gallery. Londres, Inglaterra.
1976 Colectiva "Obra temprana de los grandes maestros". Galería Pintura
Joven.
Individual Galería Pintura Joven.
Individual Banco Nacional de Obras y Servicios Públicos. Ciudad de México.
Colectiva "La vida, el movimiento y la muerte". Museo de la Ciudad de
México.
Colectiva "Cincuenta Años de Pintura Mexicana". Departamento del Distrito Federal. Ciudad de México.
Colectiva "Trigésimo Aniversario de la UNESCO". Sede de la UNESCO. París, Francia.
Colectiva Pickwick Street Exhibition Hall. Pasadena, Cal., EUA.
Colectiva "El Geometrismo Mexicano". Museo de Arte Moderno. Ciudad de México.
Colectiva "Lane Exhibition H.A." Hollywood, Cal, EUA.
Colectiva Centro de Arte y Comunicación (CAYC). Buenos Aires,
Argentina.
Colectivas "Sexto Festival Internacional del Film sobre los Derechos del
Hombre". Estrasburgo, Francia y otras ciudades y países.
Colectiva "Imagen y Palabras". CAYC. Exposición Itinerante. Argentina, Brasil, Canadá, Dinamarca, etc.
Individual Pickwick Street Ehibition Hall. Pasadena, Cal., EUA.
Colectiva Galería Ramón Cano Manilla. Ciudad Mante, Tamaulipas,
México.
Colectiva "Semana Internacional de las Artes Plásticas". Galería Ramón Cano Manilla.
1978 Colectiva Fullham Gallery.
Colectiva "Salón Anual de Artes Plásticas, Sección Pintura". Palacio de las Bellas Artes. Ciudad de México.
Colectiva "Primera Bienal Iberoamericana". Museo de Arte Carrillo Gil.
Ciudad de México.
Colectiva "Lo introspectivo y lo abstracto: cosmovisión de siete artistas
mexicanos". Universidad Iberoamericana. Ciudad de Méxco.
Colectiva Cuba (datos insuficientes).
1979 Colectiva "Homenaje a Morel". Instituto Anglo Mexicano de Cultura.
Ciudad de México.
Colectiva "Homenaje a Morel II". Museo Universitario del Chopo. UNAM. Ciudad de México.
Colectiva "Homenaje del Pueblo y los Artistas de México al Pueblo y los
artistas de Bulgaria". Sofía, Bulgaria.
Colectiva "¡Lotería!: Ejercicio Visual Colectivo ideado por Omar Gasca".
Museo Universitario del Chopo y Universidad Autónoma Metropolitana. Ciudad de México.
Colectiva Exposición y subasta en apoyo a Nicaragua. Museo de San Carlos. Ciudad de México.
Colectiva (Invitado por el grupo "El Rollo") Universidad Autónoma de
Puebla. México.
Colectiva (Invitado por el grupo"El Rollo"). Colegio de México. Ciudad de México.
Colectiva Pickwick Street Exhibition Hall. Pasadena, Cal., EUA.
Colectiva Green Hall Gallery. Pickwick Street Exhibition Hall. Nueva York, EUA.
"Fruit". Green Hall Gallery. (PSEH). Nueva York, EUA:
Dual (En colaboración con Miguel Fematt). Green Hall Gallery.
Colectiva (Invitado por PSEH). "Solidaridad con las causas perdidas".
El Hoyo. Sta. Rosa (?), Cal., EUA.
Duales (En colaboración con Lourdes Alvarez) Idea y organización de los performances: "Primer Concierto Mundial de Cilindro", "Merolicos", "Fruta", "Escultura con Tortillas", etc. Foro El Agora y Foro Gandhi. Ciudad de México.
1980 Colectiva "Día de la Bandera". Exposición rodante. Ciudad de México.
Individual "Ensayos Fotoelectrostáticos". Delegaciones del Departamento del Distrito Federal. Ciudad de México.
1981 Colectiva "Sobre Arte". Medellín, Colombia.
Colectiva "Sobre Arte". Cali, Colombia.
Colectiva Mail Art-Centro Receptor de Obras Tema. Taller de
Experimentación en Materias de Arte. Ciudad de México y otras ciudades y países.
Colectiva "Archivo Internacional de Proyectos no realizados". Escuela
Nacional de Artes Plásticas-Academia de San Carlos. Ciudad de México.
Colectiva. "Diseño Editorial Alternativo". Exposición del Taller de Diseño
Editorial dirigido por O.G. Centro Universitario de Ciencias
Humanas.
Colectiva Exposición del Taller de Dibujo dirigido por O.G. CUDECH.
1982 Colectivas Exposiciones de los talleres de Diseño Editorial y Dibujo dirigi-
dos por O.G. CUDECH.
1983 Individual Exposición. Audiovisual "La Forma". Facultad de Artes Plás-
ticas de la Universidad Veracruzana. Jalapa, Ver. México.
1984 Dual (En colaboración con Alejandro Ramos). "Primer Museo Na-
cional de Anécdotas Verídicas, Falsas e Inciertas”. T.V. Todo. Ciudad de México.
Dual (En colaboración con A. R.). "Primer Registro Nacional de
Colecciones insólitas. T.V. Todo.
Dual (En colaboración con Julieta Medina). "A puerta cerrada", TEMA. Ciudad de México.
1985 Colectiva "Bienal de Escultura Imaginaria". Radio UNAM. Ciudad de
México.
Colectiva "Reencuentro". Casa de la Cultura de Naucalpan. México.
1986 Colectiva "Bienal de Poesía Visual" (datos insuficientes). Ciudad de
México.
1987 Individual "La proporción, la simultaneidad y la introspección". Museo
de la Ciudad de México.
Colectiva "El Purgatorio Artístico". Museo de la Ciudad de México.
Colectiva Museo de la Ciudad de México.
1988 Colectiva "La Muerte". Instituto Francés de América Latina. Ciudad
de México.
Colectiva "Exposición Subasta para Nicaragua". Museo de Arte Carrillo Gil. Ciudad de México.
1989 Colectiva "La piñata en la plástica". Museo de la Ciudad de México.
Colectiva Casa de la Cultura de Malinalco. México.
Colectiva "México al Desnudo". Sala Ollin Yolitzli. Ciudad de México.
Colectiva Biuro Wystaw Artystycznich. Czestochowa, Polonia.
1991 Colectiva "Encuentros". Galería Nacho López. San Luis Potosí. Méxi- co.
1992 Colectiva "Integrarte". Museo Tecnológico de la CFE. Ciudad de Mé-
xico.
Colectiva "América en la Mira". Exposición Internacional Itinerante. TAI.
1993 Colectiva "Directorio de las Artes". Pinacoteca Virreinal. Ciudad de Mé-
xico.
1994 Colectiva Universidad Hebrea de Israel.
Colectiva DAP. Pinacoteca Virreinal.
Individual "Sujeto y Objeto El Libro". Galería El Juglar Ciudad de Méxi-
co.
Individual "Libro-Objeto". CUIH.
Colectiva Exposición con motivo de la presentación del libro Luis Donaldo Colosio. Centro Libanés. Ciudad de México.
Colectiva" América en la Mira". El Juglar.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Publicaciones
1973 Ensayo y ponencia La Vulgaridad en el Arte y Viceversa. Edición de autor.
1975 Ensayos sobre arte urbano. Edición de autor.
1975-
1977 Colaboraciones semanales para el suplemento El Sol en la Cultura del diario El Sol de México.
1977 Colaboraciones semanales para la revista Sucesos.
Colaboraciones eventuales para la revista Bunch. EUA.
1978 Colaboraciones semanales para el suplemento Sábado del diario Unomás- uno.
Libro Estro y lo Otro. INBA.
1979 Libro Miniedades. Colección "Rosa de los Vientos", No. 10. Editado por Bernardo Ruiz. Universidad Autónoma Metropolitana.
Colaboraciones eventuales para la revista Proyección.
Editor y colaborador de la revista Pasaporte 2000.
Colaboraciones eventuales para la revista Fandangos. Holanda.
Colaboraciones eventuales para la revista The Oxidized Look. EUA.
1980 Colaboraciones eventuales para la revista Sobre Arte. Colombia.
Libro Caballo entre la orquesta.
1981 Colaboraciones para la revista Aporte.
Colaboraciones para la revista Axedres.
1982 Libro (inédito) Historia de la Crítica de Arte en México.
1982 Libro Arte como... Universidad Veracruzana-CUDECH.
Colaboraciones para el suplemento cultural de Novedades.
Co-introducción para el libro Formas Silenciosas de Daisy Ascher.
1985 Notas para la historia, la teoría, el uso y la comprensión de la música. Código.
Colaboraciones para el suplemento México en la Cultura de la revista Siempre.
1986 Libro Kinetic Conceptual Mirror Art, a way of seeing magic. TEMA.
Novela El Proyecto (título provisional, inédita).
1989 Libro El silencio de F.M. TEMA.
Libro Anatomía. TEMA.
Libro Mujer por partes. TEMA.
Libro (en colaboración con Ma. Teresa Hernández) Obra. TEMA.
Libro Variaciones sobre un tema. TEMA.
1990 Libro Máquina para comprobar a Newton. Código 9.
1991 Libro La Espiral, una biografía del 9. Edición de autor.
Libro (con Roberto Casaña) Kappelmeister de bolsillo. Código 9.
Libro Cuentos del Rey Eno. Edición de autor.
1992 Libro Noticias para ustedes. Integrarte.
1993 Colaboraciones para la revista De cara a México.
Libro Autofotografías... Integrarte.
1994 Libro Magia y Brujería en México. Edición de autor
Libro (con Díaz Infante) Al Alimón. Edición de autor.
Prólogo para Variaciones sobre el cuerpo.
Libro Museo Portátil. Integrarte.
Libro NovelaCorta (sic). Edición de autor.
Libro Otra vez la muerte. Edición de autor.
Libro (en colaboración con varios escritores y artistas) Luis Donaldo Colosio.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Presentaciones de libros
Dialografos, de Ludivina Gutiérrez . Museo de Arte Carrillo Gil.
Formas silenciosas, de Daisy Ascher. Museo de la Ciudad de México.
Descuidos de intimidad, de Marisol Salmones y María Teresa Hernández. El Agora.
Cincuenta impulsos, de Pedro Tzontémoc y Verónica Basañez. Alianza Francesa de Polanco.
Todavía quedan unos cuantos vacíos, de Marisol Salmones. Colegio de las Vizcainas.
Operación fantasía, de Mercedes Vivanco. CUIH.
Alebrije de Lunada, de Gabriele Marlene. CUIH
Variaciones sobre el cuerpo, de Rebeca Barba, Martha Trillo y Patricia Zertuche. Centro Cultural el Juglar.
Tiempo Suspendido, de Pedro Tzontémoc. Universidad Autónoma Metropolitana y Museo Universitario del Chopo.
El Templo de los Falos, de Hortensia Martínez Cícero. El Otro lugar de La Mancha.
Relatos de medio siglo, de Inés García. Tao/Casa de la Cultura de Atizapán.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)


Docencia
1973 Introducción al Arte Contemporáneo. Centro Latinoamericano para las Artes (CELA) del Instituto Internacional de Estudios Superiores.
1976 Introducción al Análisis Formal del Arte. Curso Abierto para estudiantes México-Americanos. PSEH.
A la fecha, Taller de Técnicas. TEMA.
A la fecha, Diseño Editorial y Técnicas Alternativas. TEMA.
1977 Dibujo. Universidad Iberoamericana.
1979 Dibujo, Escultura y Técnicas. Galería Proarte. Taller de Técnicas y Oficios.
1980 Análisis Formal del Arte. CUDECH.
Sociología del Arte. CUDECH.
Diseño Editorial. CUDECH.
A la fecha, Análisis Formal del Arte. ASEC (ahora CUIH).
Sociología del Cine. ASEC.
1981 Teoría de la Forma. TEMA.
Análisis y Composición Socioliterarios. ASEC.
Creación Artística. ASEC.
Guionismo. ASEC.
Historia Universal del Arte I. CUDECH.
1982 Análisis Formal del Arte. CUDECH.
Historia Universal del Arte II. CUDECH.
Ensayo. ASEC.
Taller de Cultura Contemporánea. TEMA.
Historia Universal del Arte I y II. ASEC.
A la fecha, Crítica de Arte I y II. ASEC.
A la fecha, Crítica Literaria I y II. ASEC.
A la fecha, Teoría del Arte. ASEC.
1984 Taller de Diaporamas. CUDECH.
Taller de Guionismo para Radio Cultural y Educativa. ILCE.
Taller Avanzado de Producción de Radio Cultural y Educativa. ILCE.
Teoría Literaria. ASEC.
1985 Diseño Gráfico. Facultad de Artes Plásticas, Universidad Veracruzana.
Creación Literaria. ASEC.
Ensayo. ASEC.
Historia y Teoría del Arte. TEMA.
Introducción a la Música. Código 2Mil.
Taller de Cultura Contemporánea. Código 2Mil.
Historia Social del Arte. ASEC.
Guionismo. ASEC
Seminario de Expresión Oral. ASEC.
1986 Historia Social del Arte. ASEC.
Teoría Literaria. ASEC.
Guionismo. ASEC.
Seminario de Expresión Oral. ASEC.
1987 Teoría Literaria. ASEC.
1988 Problemas Contemporáneos del Arte. ASEC.
Introducción a la Teoría del Arte. ASEC.
1989 Proyectos Culturales (con Fernando Buen Abad). ASEC.
Taller de Cultura Contemporánea. Crisol, Desarrollo Humano.
Pensamiento Mágico I. Crisol.
Pensamiento Mágico II. Crisol.
Introducción al Periodismo Cultural. ASEC.
Introducción al Periodismo Cultural II. ASEC.
Taller de Cultura Contemporánea. ASEC
A la fecha, Pensamiento Mágico. ASEC.
1990 Diseño de la Maestría en Arte Contemporáneo en México. ASEC (ahora CUIH).
Historia del la Crítica de Arte. Maestría. ASEC.
Fuentes de la Investigación Artística. Maestría. ASEC.
Artes Visuales. Maestría. ASEC.
Diseño en colaboración de la Especialidad en Literatura Latinoamericana
Contemporánea. ASEC.
Literatura y Sociedad Latinoamericana. Especialidad. ASEC.
1992 A la fecha, Taller de Técnicas. Maestría. ASEC.
A la fecha, Taller de idiomática. Maestría. ASEC.
1994 Performance e Instalación, Otras Formas de Arte. Maestría. ASEC.
Administración de Proyectos Culturales. Extensión Universitaria. ASEC.
Creación Literaria. TAO.
Procesadores de Palabra y Diseño Asistido por Computadora. ASEC.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Conferencias
Arte e Identidad Nacional. Universidad Iberoamericana. México.
Arte Urbano. Escuela Nacional de Artes Plásticas. UNAM. México.
La Forma Visual. Universidad Autónoma Metropolitana. México.
Arte y Realidad Nacional. Centro Universitario de Ciencias Humanas, Universidad Autónoma de San Luis Potosí y Asociación Satélite de Estudios Culturales. México.
Arte, Identidad e Ideología. Pickwick Street Exhibition Hall. EUA.
El Arte Contemporáneo y la Vida Cotidiana. Universidad Autónoma de San Luis Potosí y Centro Universitario de Ciencias Humanas. México.
Arte como Prospectiva. Universidad Veracruzana. México.
Escultura Intima y Escultura Pública. Casa del Lago. UNAM. México.
Arte, Educación y Penetración Cultural. Palacio de Minería. México.
El Periodismo en México. CUDECH/Unión de Periodistas de Costa Rica.
El Pensamiento Mágico: Magia y Brujería en México. Universidad de El Salvador. Argentina.
Encuentros. Galería Nacho López. San Luis Potosí. México.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)



Investigaciones
1968 Aplicación de sistemas númericos y matemáticos a la pintura. Desarrollo del sistema denominado Cinco (1971), registrado en el Registro Público del Derecho de Autor como Obra Técnica, Clave 3519/76.
Información subliminal en la propaganda comercial y política.
Murales Urbanos.
1968-
1971 Química y física del color en distintos soportes.
Perspectiva, vibración, aceleración y deceleración del color en el sistema Cinco.
1970-
1972 Circuito cerrado de televisión.
1971 Materiales didácticos.
1971-
1974 Sistemas alternativos de impresión para obra gráfica.
1973 Escultura en lámina de hierro cobrizada y lámina galvanizada.
Poliestireno.
1974 Sistema Cinco en volumen. Maquetas.
1974-
1990 Investigaciones sobre la espiral, la serie de Fibonacci y la sección áurea.
1976 Plásticos líquidos.
Telas estructuradas.
A la fecha, Medios alternativos para el diseño editorial.
1977 Medios audiovisuales para la enseñanza.
A la fecha, Medios electrostáticos.
Animación electrostática.
1980 Aplicación mural de fotocopias.
Video y animación electrostática.
Animación en video.
Información subliminal y códigos lingüísticos.
Sonido sintetizado.
1981 Proxémica.
1982 A la fecha, Sonido sintetizado y geometría.
1983 Comunicación audiovisual y didáctica.
1984 Ecotécnicas.
Elaboración de programas por computadora de música y formas geométricas.
Diseño por computadora.
Música por computadora.
Partituras en Hertz y sección áurea.
Partituras en Hertz y espirales.
Partituras en Hertz y series numéricas.
1985 Impresión textil.
Investigaciones de gabinete y de campo sobre la magia y la brujería en México.
Ritmos binarios.
1989 A la fecha, Sistemas tecnológico-artesanales para el diseño y la producción editorial.
Investigación temática y pedagógica para el diseño del Programa de la Maestría en Arte Contemporáneo en México.
Colaboración en la investigación temática y pedagógica para el diseño del programa de la especialidad en Literatura Latinoamericana Contemporánea.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Referencias
Alberto Virgen:
"Omar Gasca y sus búsquedas". IDEA, Arte y Política. Revista Universitaria bimestral, mayo-junio, 1976, no.8.
Merry Mac Masters:
"Nuevas Tendencias". Visión, la revista interamericana. Vol. 48, No. 9, abril, 1977.
Miguel Angel Morales:
"El geometrismo mexicano". Su Otro Yo. Revista mensual de entretenimiento, información, cultura y política. febrero, 1977, Vol. 3, No. 6.
Artes de México:
No. 193, año XXII.
Teresa del Conde:
"Las jóvenes generaciones de geometristas mexicanos". El Geometrismo Mexicano. Jorge Alberto Manrique, et. al. Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM, Monografías, Serie Mayor, No. 1, 1976
Tierra Adentro:
Publicación de los organismos del INBA en Provincia. Enero-febrero, 1979, No. 17.
Miriam Ramírez:
"Omar Gasca", Tesina, Universidad Iberoamericana, 1977.
Soma:
Ediciones "El Rollo", 1979.
Carlos A. Palacio:
El Ajedrez en México, Ed. Greca, 1985, p.222 y otras.
Directorio de las Artes Plásticas:
Editorial Porrúa, México, 1993.
Directorio de las Artes Plásticas:
2ª Edición. Editorial Porrúa, México, 1994.
(Entrevistas y textos sobre su obra han aparecido en Nexos, El Nacional, El Universal, Unomásuno, Novedades y Excélsior, entre otros medios).
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Membresías
1972 Fundador y miembro del grupo DISUAL (Diseño Visual).
1976 Fundador y miembro de TEMA (Taller de Experimentación en Medios del Arte).
Fundador y miembro de la AMAPAC (Asociación Mexicana de Artistas Plásticos).
Miembro de la IAA (International Association of Art)
Miembro de la AIAP (Association Internationale des Arts Plastiques).
1980 Subdirector y miembro del CIC (Centro Internacional de la Cultura).
Miembro de la AICA (Association Internationale des Critiques D'Art).
1986 Miembro de Foto-Foro Internacional.
1989 Miembro de ARTAC (Asociación de Artistas Plásticos de México, A.C.).
1991 Fundador y Director de Integrarte (Instituto de Integración de las Artes).
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Jurado
Originales sobre papel. VITRO. Monterrey, N.L., México.
Obra Gráfica. VITRO. Monterrey, N.L., México.
Poesía. PEMEX. México.
Pintura Infantil. Asociación Satélite de Estudios Culturales.
Literatura Infantil. ASEC.
Fotografía. Club Fotográfico de México.
Cuento y Poesía. Asociación de Pilotos Aviadores (ASPA). México.
Cuento. ASEC, México.
Ensayo. ASEC, México.
Pintura. Fundación San Hipólito, A.C., México.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Funciones Editoriales
1977 Jefe de la Sección Política de la revista Sucesos.
1979 Editor de la revista Pasaporte 2000.
1980 Director y editor de la revista Aporte.
1981 Editor de la revista Axedres.
1982 Asesor en diseño de la revista IMCYC del Instituto Mexicano del Cemento y del Concreto.
Asesor de la revista Atenea.
1989 Director y editor de la revista Código Nueve.
1990 Asesor editorial de Acciones Ejecutivas.
1994 Asesor editorial de Leonardo & Sucesores.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)


Cargos
1977 Coordinador de los Talleres OG.
1980 Subdirector del Centro Internacional de la Cultura.
1981 Co-organizador de los Cursos de Extensión Universitaria del CUDECH.
1982 Coordinador General de los Laboratorios de Comunicación Audiovisual del CUDECH.
1983-
1985 Asesor de PYDGRAN.
1985 Subdirector de Promoción al Desarrollo Científico y Tecnológico de la Secretaría de Desarrollo Urbano y Ecología.
A la fecha, asesor del CUIH (antes ASEC).
1991 Director de Integrarte.
A la fecha, coordinador de la maestría de Arte en el CUIH.
A la fecha, asesor de Códice, Promocional Impreso.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Radio y T.V.
1976 Radio Educación:
Programa sobre arte conceptual.
1980 Radio UNAM:
Entrevista sobre la conferencia "Arte y realidad nacional".
Radio UNAM:
Entrevista sobre el libro Artes Visuales.
Canal 8 de TV (tiempo de la UNAM):
Programa sobre "El libro como agente de penetración cultural".
Canal 11 de TV:
Programa "A la sazón de los 80: Encuentro de Escultores".
Radio UNAM:
Programa "Lenguajes no objetuales". Primera Bienal de Escultura Imaginaria en colaboración con Juan Luis Díaz.
Radio UNAM:
Programa "Lenguajes no objetuales II ".
1989 Canal 2 de TV (ECO):
Entrevista sobre el tema "Desnudo".
Canal 11 de TV:
Programa "México al desnudo".
1995-
1999 Diversas apariciones en los canales de televisión de Xalapa y Veracruz con motivo de conferencias, cursos y coloquios realizados en la ciudad de Xalapa.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Curaduría
Lotería. Exposición colectiva de pintura, fotografía y escultura. Museo Universitario del Chopo.
Lotería. Exposición colectiva de pintura, fotografía y escultura. Galería de la UAM Azcapotzalco.
Other Child Book. Colectiva de libros objeto para niños. Centro Internacional de la Cultura-Gobierno del estado de Guanajuato-Festival Cervantino.
Instalaciones, exposiciones y performances en los foros de Gandhi y El Agora (en colaboración con Lourdes Alvarez).
Exposiciones colectivas de diseño editorial alternativo. CUDECH.
Exposición, subasta y concierto con Rumba Abierta y Fernando Delgadillo. Código 9. Centro Cultural San Angel.
Reencuentro. Colectiva de Fotografía. Casa de la Cultura-Naucalli.
Exposición, subasta y concierto con Rumba Abierta y Fernando Delgadillo. Código 9. Foro El Agora.
Subasta. El Mirador.
Subasta. Código 9. El Agora.
Exposición/Subasta. Integrarte. ASEC.
Exposición colectiva. TAO.
Subasta Artistas Jóvenes. TAO.
Primer Encuentro/Curso Vivo “Artistas Residentes en Xalapa”. Integrarte-TAO-Cultubar. Cultubar.
Coloquio Internacional de Diseño Advento. Advento. Centro Nacional de las Artes, México, y Teatro Principal, Puebla.
Colectiva de Diciembre. Galería Los Oficios. México.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Varios
Ha participado en diversos proyectos arquitectónicos y ambientales como asesor en presentaciones, entregas y publicaciones.
Ha participado en diversos proyectos como asesor en redacción de temas de diseño, arquitectura y arte.

Ha organizado y participado como ponente en varias mesas redondas, congresos y ciclos de conferencias en México, Argentina, España, Cuba y otros países.

Ha promovido y realizado intercambio de exposiciones con artistas e instituciones de Italia, Polonia, Estados Unidos, Argentina, España, Holanda y Colombia.

Diseñó y supervisó el proyecto de los Laboratorios de Comunicación del CUDECH, los cuales coordinó después.

Ha organizado cursos y diseñado programas académicos completos y planes de estudio por materia para diversas instituciones de nivel licenciatura, especialidad y maestría.

Ha sido miembro de diversos equipos interdisciplinarios dedicados a proyectos integrales de ingeniería y diseño.
Ha diseñado y supervisado ediciones de revistas y libros por encargo.
Ha escrito presentaciones, prólogos y textos en colaboración para diversas publicaciones.

Ha realizado símbolos, logotipos y sistemas de imagen corporativa para diversas empresas y organismos.

(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Imagen corporativa
Entre los clientes para los que ha realizado sistemas de imagen corporativa, manuales de identidad, publicaciones, carteles y símbolos, se encuentran:
Acciones Ejecutivas, ADO, Alfabai, AMV, ASEC, Campo Magnético, Cristalería del Norte, CODICE, CUDECH, CUIH, Daisy Ascher, DOS, Fertinal, Fumadorex, Grupo BM, Grupo Hulero Mexicano, IDEARQ, Integrarte, Interteg, Leonardo & Sucesores, Monarca, OH Empresas, PRD, Rumba Abierta, SAEC, SEP-CONAFE-UPC.
(ver 1995, 96, 97, 98 y 99)

Integrarte
A la fecha, además de realizar varias subastas (por ejemplo en el Museo Tecnológico), exposiciones (por ejemplo en El Otro Lugar de la Mancha, en el CUIH y TAO) y el encuentro y el coloquio de artistas en Xalapa, respectivamente en 1997 y 1999, entre otros, el Instituto de Integración de las Artes, fundado por Omar Gasca, ha editado los siguientes productos:
Todavía quedan unos cuantos vacíos.
Marisol Salmones. Poesía. Libro.
Cincuenta Impulsos.
Verónica Basañez y Pedro Tzontémoc. Poesía/Fotografía. Libro.
La Llamada.
Vera Ikon. Poesía. Libro.
Video Independiente Mexicano.
Juan José Díaz Infante, curador. Video.
El Templo de los Falos.
Hortensia Martínez Cicero. Libro.
Video Independiente Mexicano. CD ROM.
El rastro de la experiencia.
Omar Gasca. Libro y CD ROM.




1995
Exposiciones
Colectiva. "Colosio". Seminario Real de Minas. México.
Colectiva "Video Independiente Mexicano". Galeria Oboro. Montreal, Canadá.
Individual "Libro-Objeto". Galería AP de la Facultad de Artes Plásticas de la
Universidad Veracruzana. Jalapa, Ver. México.
Colectiva "El Puente". Exposición vía Internet. Museo Carrillo Gil, Instituto
Electrográfico de Cuenca.
Colectiva Primera Subasta Internacional de Arte por Internet. Directorio de las Artes Plásticas-Universidad de Guadalajara.
Individual Libros- Objeto en Tao. México.
Colectiva "América en la mira III". Centro Cultural El Juglar.
"América en la mira III". Universidad Autónoma de Colima.
"América en la mira III". UAM. México.
"América en la mira III". Roma, Italia.

Publicaciones
Libro Síndrome de la moneda perdida/Lost coin syndrome. Humberto Chávez et.al. Editorial Praxis.
Libro La Manzana. Edición de autor.
Libro Contactos de Arena y Piel, con Pedro Tzontémoc. Edición de autor.
Libro La Camiseta de Leonardo. Edición de autor.
Libro Cien en el Pico, en colaboración con Juan José Díaz Infante. Edición de autor.
Libro colectivo Expresión plástica: 35 artistas en Veracruz. IVEC.
Colaboraciones para las revistas Sinapsis, Arte y Artistas, Artes de México, Graffiti y Primero Sueño.

Docencia
Performance. Extensión Universitaria. CUIH.
Libro-Objeto. Extensión Universitaria. CUIH.
Taller de Crítica de Arte I. CUIH.
Análisis Formal del Arte. CUIH.
Fuentes de Investigación Artística. CUIH.
Taller de Libro-Objeto. Universidad Veracruzana.
Taller de Libro-Objeto. CUIH.
Taller de Libro-Objeto. TAO.
Taller Libre de Investigación Plástica. TAO.
Taller Libre de Escritura. TAO.
Taller Libre de Apreciación del Arte. OG/SM.
Taller Libre de Apreciación Cinematográfica. TAO.
Taller de Investigación de Materiales. TAO.

Funciones Editoriales
Director y editor de Notas del Taller.
Asesor editorial de Primero Sueño.

Conferencias
El Símbolo en el Arte. ASEC. México.
El Papel de la Mujer en la Cultura. TAO. México.
El Diseño y el Arte. Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.

Referencias
Mayra Mercado:
Entrevista. Arte y Artistas No. 24, pp. 36-38.
Ingrid Heckmüller:
"Libros-Objeto: de casos a casos". Arte y Artistas, pp. 26-28.

1996
Exposiciones
Individual "Libros-Objeto". Galería La Hacienda. Universidad de las Américas. Cholula, Puebla. México.
Dual "Antología de un documento" (Retrospectiva, en colaboración con Juan José Díaz Infante). El Otro Lugar de La Mancha. México.
Colectiva (Sin título). TAO. México.
Individual "Zapatas". Pre-exposición. TAO. México.

Publicaciones
Libro Dispositivos imaginarios, con H. Chávez, A. Castellanos, M.I. García y R. Mier. CONACULTA-INBA-CENIDIAP-Práxis.
Colaboraciones para la revista Sinapsis.
Colaboraciones para la revista Primero Sueño.
Libro colectivo Los caminos de la Forma y del Volumen. IVEC.

Docencia
Libro-Objeto. Extensión Universitaria. CUIH.
Taller de Crítica de Arte II. CUIH.
Análisis Formal del Arte. CUIH.
Fuentes de Investigación Artística. CUIH.
Taller de Libro-Objeto. Universidad Veracruzana.
Taller de Libro-Objeto. CUIH.
Taller de Libro-Objeto. TAO.
Taller Libre de Investigación Plástica. TAO.
Taller Libre de Escritura. TAO.
Taller Libre de Apreciación del Arte. OG/SM.
Taller Libre de Apreciación Cinematográfica. TAO.
Taller de Técnicas. TAO.
Performance. Extensión Universitaria. CUIH.
Historia de la Crítica de Arte en México. CUIH.
Creación del Programa del Diplomado en Artes Visuales. TAO.

Conferencias
Otros espacios del diseño. "Hecho en Latinoamérica: 100 % Diseño". Universidad de las Américas, Cholula, Puebla. México.

Referencias
Catálogo de la IV Bienal Internacional del Cartel en México. p. 170.

Funciones Editoriales
Director honorario de la revista Primero Sueño.
Asesoría, diseño de forros y reseña y presentación para el libro El templo de los Falos.

1997
Exposiciones
Colectiva "Los Frescos". CUIH. México.
Individual Instalación "Fernanda, estamos de cabeza". TAO.
Colectiva “Colectiva de fin de año”. TAO.
Colectiva Galería Los Oficios.

Publicaciones
Prensa Cultural de Integrarte.
El Ultimo Pez. Catálogo de la exposición del mismo nombre de Masafumi Hosumi. UAM.
Libro Zapata. Edición de autor.
"El último pez". Casa del Tiempo, Vol. XIV, Epoca II, No. 65´66, julio-agosto 1997.

Docencia
Taller de Libro-Objeto. TAO.
Taller Libre de Investigación Plástica. TAO.
Taller Libre de Escritura. TAO.
Taller Libre de Apreciación del Arte. OG/SM.
Taller Libre de Apreciación Cinematográfica. TAO.
Taller de Técnicas. TAO.
La Espiral: los triángulos de la armonía. TAO.
El Juego, el Deseo y la Utopía. TAO.
Introducción a la edición y al diseño de página. TAO.
Estrategias Creativas. Con Juan José Díaz Infante. TAO.
Taller de Escritura. Compuserve, México.
Apreciación y crítica del cine. TAO.

Referencias
Cecilia Ortiz:
“Diseños y alternativas”. Entrevista. Graffiti No. 25, s/f, p. 49.

Funciones Editoriales
Asesoría para el diseño de C. Arte.
Edición y diseño de la revista El Hule.

Varios
Organización y coordinación del Primer Encuentro/Curso vivo: últimas tendencias del arte. Integrarte-TAO-Cultubar. Xalapa, Ver. México.
Asesoría Fertinal.
Section Leader del Foro de Adultos de Compuserve.
Planeación, organización y coordinación del Coloquio Internacional de Diseño Advento.

Radio-TV
Programa de radio. Temas de almohada: "Sirenas y tabúes". Con Raquel Reichfeld y Juan José Díaz Infante. Cambio 1440.
Programa de radio. Temas de almohada: "As times goes by". Con Juan José Díaz Infante. Cambio 1440.

1998
Exposiciones
Individual “Zapata, otra vez”. TAO.
Colectiva TAO.
Colectiva VI Bienal de Poesía Experimental. Sala Altamira. Museo Universitario del Chopo.
Colectiva Exposición virtual. www.Altamiracave.com

Publicaciones
Colaboraciones para Sábado de Unomásuno.

Docencia
La crítica y sus relaciones. Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.
La crítica y sus relaciones II. Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana.
Promoción del Arte. Instituto Veracruzano de Cultura. Jardín de las Esculturas.

Conferencias
Reflexiones en torno a la crítica de arte. Galería de Arte Contemporáneo de Xalapa.
Arte como proyecto. Consejo Estatal para la Cultura y las Artes. Tuxtla Gutiérrez, Chiapas.

Referencias
Claudia Domínguez.:
“Cuestionar y reunir miradas: de la crítica a la historia del arte”. Gaceta, Universidad Veracruzana, pp. 9-14
Enciclopedia de las Artes. DAP.
Alma Ortiz:
“Reflexiones sobre la crítica”. Entrevista. Sábado de Unomásuno, pp.1,4 y 5.
Enrico Lobo:
“El arte multifacético de Omar Gasca”. Revista Urania, pp.28-29.


1999
Exposiciones
Colectiva “Fotografía Contemporánea Mexicana”. IV Mes Internacional da
Fotografía. Centro Cultural Sao Paulo, Sao Paulo, Brasil.
Colectiva Video Independiente Mexicano. Museu da Imagem e do Som. Sao Paulo, Brasil.
Colectiva "Experimenta 99". Universidad de la Patagonia. Argentina.
Colectiva "Siglo XXIX"-Video independiente mexicano. Cineteca de Monterrey.


Publicaciones
Del Templo a la Hoguera. CD ROM. Museo Ambulante La Rueda y Ediciones OG.
Colaboraciones para Sábado de Unomásuno.
Libro El rastro de la experiencia. Integrarte.
Introducción a catálogo-CD ROM Video Independiente Mexicano.
Introducción a CD ROM Sala Altamira.
Colaboraciones para Performance.
Libro La región del universo. IVEC-UNACH.
La región del universo. Edición HTML. IVEC-La Sopa-Integrarte.

Docencia
Pintura. Diplomado en Artes Visuales. TAO.
Taller de Técnicas. TAO.
Creación Literaria. TAO.
Creación Literaria. OG.
Introducción al Diseño de Revistas. Facultad de Artes Plásticas. Taller de Grabado. Universidad Veracruzana.
Taller de Idiomática. Jardín de las Esculturas. Instituto Veracruzano de Cultura.
Procesadores de palabra e introducción al diseño asistido por computadora. Taller OG.

Conferencias
Personajes anónimos del siglo. TAO.
Del Templo a la Hoguera. CUIH.
Arte como proyecto, 15 años después. Grupo de Pintura de Manuel Velázquez. Facultad de Artes Plásticas. Universidad Veracruzana.



Referencias
Alma Ortiz:
“La crítica, otra vez”. Revista Fin de Siglo, pp. 35-40.

Imagen Corporativa
Alfabai
Dos
CD ROM Advento
Fumadorex

Varios
Organización del Coloquio Sentidos y Modos del Arte. IVEC. Jardín de las Esculturas. Xalapa, Veracruz.
Co-curaduría para Italia Diseño de Advento, A.C.: El Compás de Oro, Pinin Farina: Extradesign, Interior y Ana Castelli Ferrieri.
Asesoría para el guión de la película El Pinocho.
Asesoría a ERDT para sección de programa de Televisión.
Subasta Asociación de Periodistas de Veracruz.








martes, 7 de julio de 2009

Textos sobre Omar Gasca

Alberto Híjar sobre libros objeto

Libro objeto, magia y susurro
Alberto Híjar

Tejer redes con los recuerdos históricos entrañables, rescatar las cosas naturales cada día menos sorprendentes, la ironía extraviada entre el utilitarismo y el universo de Gutenberg en extinción, es la tarea que se ha propuesto Omar Gasca.
Usa su buen oficio de dibujante, diseñador gráfico, calígrafo y pintor para crear espacios donde crece, más que el arte, la dimensión estética, esa plenitud gozable y sufrible en la intersección de la lengua y las hablas, los sistemas de signos y las escrituras diversas.
Omar Gasca ofrece pequeños y habituales libros-objeto, los despliega, les inserta alusiones gráficas de rica variedad sígnica. Salta la magia como debe ser, como apropiación de las relaciones entre las cosas, irreductible al racionalismo productivista. Nueve-caracol-armonía es, por ejemplo, triada compleja para dar fe al universo.
Del universo como acontecimiento sabemos por creadores como Omar: alerta vigía que nos grita, sin mucha estridencia, el inminente arribo de la belleza como plenitud de relaciones entre lo existente, no por imposible y soñado menos necesario.
También a los susurros de sus maravillas hay que atender, porque en ellos está la clave de la resonancia más allá de la objetividad libresca que no es más que pretexto estético.

Alberto Híjar, sobre el Libro La espiral, una biografía del 9

El nueve es cabalístico por sus asombrosas propiedades, por ejemplo: multiplicado por los demás números siempre dará un resultado cuyos dígitos pueden sumarse para dar, siempre y otra vez el nueve. O sea nueve por uno nueve, siguen siendo nueve, nueve por dos dieciocho, una y ocho nueve, nueve por tres veintisiete dos y siete nueve etc. Para una imaginación trivial como las que patrocina la industria del esoterismo, estas propiedades pueden dar lugar sólo a curiosidades ociosas, Pero si un artista topa con esto puede desatarse el juego con la urgencia de descubrir los avatares de la razón matemática tan respetada por el vulgo que la identifica con la ciencia sin advertir que lo matemático no quita lo racional, sino todo lo contrario, He conocido matemáticos, más o menos brillantes que son profundamente irracionales y absolutamente metafísicos y esotéricos, De manera pues que el que sepan usar la computadora no evita que crean en el horóscopo y en la astrología y en todas esas tonterías difundidas por la radio y la televisión dominantes. Para fortuna del 9 cayó en manos y mente de Omar Gasca. De tiempo atrás, el artista hace libros de edición limitadísima con un doble propósito: la recuperación de la bibliofilia como disciplina no industrial ni besteseleriana y la práctica de la ironía para descubrir en la racionalidad físicomatemática, tan prestigiada como base científica, sorpresas y acontecimientos. Omar hace lo que Braudel aconseja: descubrir la historia como acontecimiento y entonces advertir que aun la supuesta rigidez científica puede dar lugar al placer estético, esto es lo que yo le debo especialmente a Omar Gasca y ustedes que están adentrándose en lo que hace, espero que también lo entiendan así. Es decir. Esa unidad entre el placer estético como algo que sobrepasa al arte, pero que tiene que ver con la civilización artística desatada en este caso no por un hombre trivial que cree en la astrología sino por un artista que juega con la ciencia, la refiere a la naturaleza y produce una dimensión estética superior a estas tres instancias de la realidad. Resulta así, un vehículo de un placer superior a él mismo por el nudo de relaciones establecidas entre la imaginación, la naturaleza y los procesos de significación. Omar convoca este rico universo de relaciones al plantear un espacio matemático como natural y cotidiano, pero también poseedor de propiedades asombrosas donde el nueve es la clave de las maravillas. Esto da lugar a una racionalidad superior a la miseria de las matemáticas sufridas en las escuelas, como instrumentación de procesos inútiles o en su necesario uso para hacer cuentas y cálculos de compra y venta. Con y por la capacidad artística de Omar a partir del nueve incluimos una racionalidad superior acompañada por el placer de la armonía, del ritmo del orden usado por unos como prueba de la existencia de Dios, pero por otros, como yo, como prueba de discernibles por la razón que tendría que ser estética y por supuesto matemática Debieran descubrirla, digo yo. No? Omar recurre a la artesanía de la edición, amorosamente cuidada, hecha a mano numerada para dar lugar a la ambición del tesoro de pocos ejemplares. El honor de poseer un libro de Omar sólo es equiparable a la urgencia de compartir los misterios del contenido. Pero el continente también importa porque Omar también produce con singular belleza, signos caligráficos y dibujos que parecen antiguos, pero que al conducirnos a la visión cuidadosa nos descubren una claridad extrema: la del orden universal, la de la urgencia de remunerarle a la razón su dimensión placentera.
En la lucha actual contra el eurocentrismo en la que estamos empeñados pueblos enteros y sus dos que tres intelectuales, cuentan quienes como Omar Gasca recuperan la unidad entre matemáticas, física y placer en el racionalismo productivista. Quiero terminar, pasado ya del tiempo mínimo que me dieron, como si de programa de Nino Canún se tratara esto, o de Rolando Cordera que para el caso es lo mismo, hacer una pequeñísima y brevísima lectura de este maravilloso librito, que no por su pequeñez física se opone a la grandeza de lo que trae, que se llama máquina para comprobar a Newton. Yo tenía aquí apartado algo, pero Teresa del Conde ya me lo perdió. Pero bueno, al asar lo abro en la tercera ley de Newton que es la acción y la reacción. La ley de Newton, que todos ustedes saben por supuesto, dice “ A toda acción corresponde una reacción igual y de sentido contrario” Añade Omar: “falso, nadie cree hoy en las siguientes frases: el que persevera alcanza, estudia y triunfarás, no hagas a otros lo que no quieres que te hagan a ti. Por otra parte, ninguna reacción puede corresponder a ninguna acción; la reacción no es admisible. Experto en la ironía, amo de la palabra y de otros sistemas de signos, creo que Omar nos ofrece esta posibilidad placentera de gozar con la matemática y con sus posibilidades de realización natural, pero también en los algorismos a los que ha dado lugar. Ya no explico esto, sino aquí lo dejo para que sigan mis compañeros de mesa.


Nina Crangle, sobre el libro Todo pasa

Lo que queda de Gasca
Nina Crangle

En esta reunión de textos,publicados e inéditos, escritos con la intención y el
tono que exigen una conferencia, un artículo o un libro, aparecen muchos de los temas que signan nuestro tiempo y que de ninguna manera son ajenos al mundo
del arte, aquel que su autor distingue como tal. La paradoja es mayúscula
cuando nos atrevemos a ver que la actual “sociedad del conocimiento” se debate entre un desenfrenado avance científico-tecnológico y la inminente catástrofe ecológica globalizada. Entre estas antípodas transcurre el discurso de Gasca; no se requiere estar familiarizado con su obra para percibir que el suyo es también un llamado a la concientización, sí, aunque desesperanzado. Las palabras de Lipovetsky evocadas en la última página son reveladoras, una suerte de respuesta a la interrogante final planteada por el autor, “¿Nuestro tiempo?”: Vivimos en la indiferencia pura, todo nos da igual, no podemos cambiar nada, nos asentamos en nuestro yo y nos olvidamos del yo social. Lo peor, es que ni siquiera
nos importa saber que pasamos de todo. La convicción del sociólogo francés deviene en epílogo de Todo pasa, y no es casual la elección de
Omar. El autor de La era del vacío, entre tantos otros temas de las sociedades
contemporáneas (occidentales), se ocupa del arte producido en una cultura cada vez más proclive a transformarlo todo en mercancía. Y esta es una de las constantes que más inquietan a Gasca y en la que profundiza en este conjunto de escritos. La pertinencia de la obra artística no escapa a sus reflexiones; para
él, el arte subsiste entre el desinterés del público (más preocupado por
procurarse otro tipo de satisfactores) y lo que llama “la inercia de la crítica”. No duda cuando habla de la función social de la crítica: conlleva un juicio de valor, un pronunciamiento. Para Gasca, quien la ejerce a cabalidad, esto no es novedad. Sí lo es para nuestro medio local en general, sobresaliente por la autocomplacencia
y el cómplice silencio. “No muchos artistas cuestionan la crítica cuando
ésta les es favorable”, nos dice. ¿Pero qué tal cuando ocurre lo contrario? Muy pocos son los que se pronuncian por tal o cual acción, por tal o cual producto social. Aunque esta edición ( preparada por la Facultad de Artes Plásticas de la UV) fue concebida inicialmente para un público lector reducido,
como lo es el de los estudiantes de arte, su trascendencia va más allá del contexto universitario; es un libro que puede aspirar a una presencia mucho más abarcadora. Etiquetarlo como “libro de texto” sería poco justo y hasta desdeñable para el autor. Sin embargo, es importante reparar que Gasca pensó en estos jóvenes discípulos por más de una razón: son artistas incipientes cuya formación depende de una entidad académica, impersonal y limitada. Gasca, como el buen maestro rilkeano que es, glosa al lector todo lo que considera será de su interés y
motivación. Su perdurable y añeja vocación de crítico –uno de los más reconocidos y acreditados del medio cultural mexicano, con cierta familla de rijoso
(en sus tres acepciones)– y su trayectoria docente, se traslucen con hondura en Todo pasa. Atento lector de Foulcault, Deleuze, Derrida, Bataille y el propio Lipovetsky, sus maestros, Omar sabe que la ausencia de crítica y autocrítica en
una sociedad o sector (académico, estudiantil, artístico...) conlleva el riesgo de
un gran peligro, el de la uniformidad, propia de los regímenes totalitarios. Esa es la
diferencia entre aquellos que llamamos maestros y los otros, los simples profesores; estos últimos te coaccionarán a que vistas de azul Mao incluso fuera de las aulas. Nunca en la historia el ejercicio de la crítica ha destruido una civilización, antes al contrario. La homogeneidad y la corrupción, aunque ilustrada o tecnócrata, sí. El maestro Gasca lanza aquí verdades como puños acerca de la realidad artística nacional, ajena casi siempre al estudiante universitario; con la misma puntería, señala fallas y debilidades de la enseñanza del arte en las facultades y del ámbito académico, estigmatizado por una doble moral y un conformismo mediocre. Esto bien se aplica a cualquier otra disciplina desarrollada en un salón de clases. No es extraño entonces que el autor provoque con frecuencia cierta incomodidad en los espacios en que ejercita el tiro al blanco.
Este no es ni será nunca un manual convencional, la atemporalidad y alcance de su contenido poseen notable vigencia, luminosidad pertinente. Su aparición en un coto preeminentemente estudiantil, cuya edición requirió del trabajo de algunos maestros y alumnos, le confiere un sello muy especial: nos
dice que se trata del libro de un auténtico creador y nos recuerda que la
esperanza, hoy más que nunca, la debemos propiciar. Todo pasa es el antídoto
perfecto que todo estudiante necesita para enfrentar el poder omnímodo del profesorado y las estrecheces de la educación pública, pero también para labrarse con conocimiento de causa su propio camino, el de la soledad que el arte impone.

Omar Gasca, Todo pasa. Prólogos
de Fernando de Ita, Felipe Ehrenberg y
Manuel Velázquez. Facultad de Artes Plásticas,
Universidad Veracruzana, México,
2008. 174 pp.

lunes, 6 de julio de 2009

Textos de Omar Gasca

Sobre crítica. Del libro Todo pasa, de Omar Gasca

La crítica y sus relaciones[i]
La crítica universitaria de 1900 tenía de bueno
cuando menos que era leída por el gran público [...].
Hoy los críticos, como los poetas, sólo escriben los unos para los otros.
A. Billy

Aunque excepcionalmente la hallamos en libros e incluso en actos presenciales tales como conferencias, mesas redondas y otros, la crítica de arte es un género de periodismo cultural
[ii] que consiste en ensayar acerca de la naturaleza, relaciones y efectos de la obra o el hecho artístico, examinando los ámbitos de la producción, la distribución y el consumo, con especial interés tanto en las políticas culturales como en la apropiación social de los bienes de cultura. En tanto ensayo, sus afirmaciones no son ni exhaustivas ni definitivas, aunque tienden a sustentarse en premisas y argumentos y caracterizarse por un cierto rasgo conclusivo.
Si se quiere, pueden hallarse antecedentes de la crítica de arte que se remontan a los atenienses del siglo V a. de C., y los nombres de Aristóteles, Platón, Xenócrates y Plotino se contarán entre los precursores de ella, siempre a partir de una visión occidental de la historia y de la historia del arte y de la crítica, a veces forzada en tanto busca las raíces de todo en la Grecia y Roma antiguas. Para muchos especialistas, sin embargo, la crítica de arte propiamente dicha aparece en el siglo XVIII, aproximadamente en 1750, con el Salón (antecedente de las galerías y donde exponían los miembros de la Real Academia Francesa), a la puerta del cual Lefont Saint Jean vendía las críticas que él mismo escribía e imprimía, si bien la crítica "moderna” se atribuye a Baudelaire a partir de 1850 (lo que hace que a la anterior suela llamársele prebaudeleriana), aunque de entonces a la fecha, bajo los nombres de “crítica de arte”, “estetología”, “ciencia del arte” u otros, aquélla se mantenga en un constante proceso de redefinición de sí misma, así como de su cuerpo de doctrina o de sus teorías, influenciada en diversos momentos por el materialismo dialéctico, el psicoanálisis, el estructuralismo, la lingüística, la teoría de la información, la semiótica, otras teorías de los signos, los postulados del new criticism o de la “deconstrucción
[iii]”, de Derridá; por personajes como Kant, Baudelaire, Hegel, Marx, Adorno, Benjamin, Jung, Eliot, Valery, Jakobson, Barthes, Bachelard, Lacan, Berger y Eco, por ejemplo, y por otros y más recientes conceptos, corrientes y tendencias.
La crítica de arte no se limita a la obra de arte, es decir, al producto o al hecho artístico, sino que abarca al fenómeno estructural que comprende al artista, al producto, al crítico, al público, al galerista, al marchante y a los funcionarios de cultura tanto como a sus políticas. En muchos casos incluye también a las artesanías y los diseños que, como el del arte, pueden concebirse como sistemas
[iv].
Los medios actuales más recurrentes de la crítica de arte suelen ser los impresos, aunque también se ejerce a través de los electrónicos e incluso los cibernéticos, sin descontar los espacios en que el crítico realiza su actividad de modo presencial, de frente al público.
En cierto sentido una de las funciones más importantes de la crítica es la de servir de intermediaria entre el productor y el público, mediante un texto que comparte la interpretación y valoración de las obras criticadas, función a la que se suman: a) difundir los conocimientos producidos dentro y fuera del país, aplicándolos para renovar las propias actividades prácticas; b) detectar y dar a conocer las tendencias y corrientes precoces en la sociedad, con el ánimo de aportar a ésta elementos que contribuyan a la renovación en el curso de las prácticas; c) apoyar las tendencias débiles, especialmente frente a la indisposición oficial de reconocerlas; d) producir teorías o conocimientos de la realidad artística local, y e) revisar y cuestionar las políticas culturales, especialmente las relacionadas con la enseñanza de las artes, becas, certámenes, premios y las asignaciones de espacios para la difusión de las obras. Si se acepta que la crítica es una actividad creadora destinada a objetivar valores y principios artísticos, y a difundirlos mediante textos públicos, se trata entonces de una actividad fuertemente impregnada de un carácter docente. La crítica de arte es una actividad realizada por individuos con formación universitaria (historiadores del arte, filósofos, sociólogos, comunicólogos); por escritores de origen universitario; por autodidactas y por los propios artistas. Entre estos últimos puede contarse al Dr. Atl, Hans Hofmann, Wilfredo Lam, Carlos Mérida, Cándido Portinari, Manuel Felguérez y Robert Motherwell, además de muchos otros, hecho que contradice que no se puede ser juez y parte.
En México, donde hay antecedentes prehispánicos y coloniales, la fundación de la Academia de San Carlos y la creación del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM constituyen dos puntos de arranque para el desarrollo de la actividad crítica. En nuestro país ejercen o han ejercido la crítica de arte Justino Fernández (historia), Ida Rodríguez (historia), Margarita Nelken (autodidacta), Juan García Ponce (letras), Octavio Paz (letras), Jorge Cuesta (química/letras), Juan Acha (química/autodidacta), Jorge Alberto Manrique (historia), Raquel Tibol (autodidacta), Tere del Conde (historia), Felipe Ehrenberg (arte), Mónica Mayer (arte) y Alejandro Castellanos (fotografía), entre otros. Muchos más, colaboradores o reporteros de medios impresos, realizan crónicas, reportajes y reseñas que no siempre satisfacen los requisitos mínimos de la crítica de arte, con la que a veces se quieren identificar. Este es uno de los problemas de la crítica, que puede asociarse con la improvisación y con la carencia de cuerpo teórico o por lo menos de información suficiente, incluso entre los que –supuestamente– sí realizan crítica. Otros problemas de la crítica se refieren al desinterés de los públicos, a la incomprensión de sus funciones por parte de los propios artistas, al enrarecimiento y por lo tanto a la oscuridad del discurso crítico, y frecuentemente a la falta de especificidad y al desconocimiento de la idiomática propia de los instrumentos, herramientas, materiales, soportes, técnicas y recursos de las expresiones visuales.
Dos problemas más: por una parte la falta de producción y difusión de teorías locales, con la consiguiente dependencia de textos foráneos, cada vez menos a nuestro alcance y frecuentemente relacionados con problemas distintos a los propios; por otra, la formación universitaria del candidato a crítico, a veces demasiado vinculada con la historia (incluso no del arte sino de los estilos artísticos) y alejada de otras fuentes de pensamiento tanto como de los propios artistas.
Un texto crítico suele incluir una buena parte de estos conceptos: a) referencias sobre el autor; b) alusiones a la obra considerada e incluso descripciones parciales; c) relaciones de la obra considerada con otras del mismo autor y de otros autores; d) un pronunciamiento valorativo acerca de la obra, que no ignore referencias espaciales ni temporales; e) reflexiones acerca de su impacto en el propio ámbito del arte, en el de la cultura y en el social, y f) un carácter conclusivo y un tono contundente generalmente sustentado en afirmaciones y negaciones.
La crítica debe tener en cuenta, con estos términos o con otros, que aborda el problema de los productos culturales específicos tanto como el de la cultura en el sentido de modo global de expresión de la sociedad, y que el valor de sus acciones goza de la misma cierta provisionalidad que caracteriza a los primeros, de modo que por concluyentes y contundentes que puedan ser sus declaraciones, éstas podrán variar desde relativa hasta completamente con el tiempo.
Aunque hay otras versiones:
1. ¿Es la obra buena o mala? Ese es el dominio de la crítica. Víctor Hugo.
2. Permanece sin contestar la inmediata pregunta acerca de las fuentes, los modelos o estándares con respecto a los cuales se miden lo bueno y lo malo. T. S. Eliot.
3. Realizar una crítica es realizar un juicio de valor. I. A. Richards.
4. Una de las características inherentes a la crítica de arte es el arriesgue forzoso acerca de la valoración cualitativa de hechos y productos artísticos. Teresa del Conde.
5. Criticar es en cierto modo preservar la identidad. Yo pienso así y tú piensas de otra manera. Yo debo decirte que no me confundo contigo. Yo tengo mis propios pensamientos, mis propias fronteras, mi propia identidad. Raúl Páramo Ortega.
6. Criticar es, propiamente, juzgar las cosas, fundándose en los principios de la ciencia o en las reglas del arte. Paul Foulquié.
7. La crítica es, por cierto, un género; y de los más desarrollados en la actualidad, al punto en que se podría muy bien decir que aun para los propios artistas contemporáneos, como actitud, ha adquirido preponderancia sobre los sectores más oscuros de los mecanismos de creación. Cualquier análisis del desarrollo moderno de las artes visuales nos indicaría cómo los artistas, a través de una toma de conciencia de su propio poder, han derivado hacia la realización de obras que son ante todo verdaderos objetos de crítica artística y sólo incidentalmente objetos de arte. Fermín Fevre.
8. Yo creo, sinceramente, que la mejor crítica es la que resulta entretenida y poética; no esa otra fría y algebraica que, bajo pretexto de explicarlo todo, no tiene ni odio ni amor y se despoja voluntariamente de toda especie de temperamento [...]. Para ser justa, es decir, para tener razón de existir, la crítica debe ser parcial, apasionada, política, esto es, realizada desde un punto de vista exclusivo, pero que sea el punto de vista que abre mayor número de horizontes. Charles Baudelaire.
9. La gran crítica es la que vuelve a encontrar en una perspectiva existencial la modulación de la obra, el impulso creador que la atraviesa, el punto de convergencia, donde se reúnen todos los datos psicológicos, humanos, sociales, estéticos, que están en el origen del acto creador. Serge Doubrovsky.
10. Entiendo por crítica pura la crítica que no se ejerce sobre seres, sobre obras, sino sobre esencias, y que en la visión de los seres y las obras no ve más que un pretexto para la meditación de las esencias. Albert Thibaudet.
11. La crítica es el excremento de una mosca en las alas de un águila. Ludwig van Beethoven.
12. La crítica es pues, como el presente, un instante del devenir futuro que se hace pasado en el momento en que lo queremos apresar. Hablar, así, de crítica dinámica, resulta, en sí mismo, una redundancia, puesto que toda crítica supone el dinamismo como base de su propia definición. Damián Bayón.
13. Hay dos clases de crítica: la poética y la científica. Estrictamente, sólo esta última merece el nombre de crítica. Jorge Cuesta.
14. La difícil creación de la crítica, ante la obra que considera, no admite otra razón de ser que ser otra obra de arte, otra creación. Jorge Cuesta.
15. La crítica de arte sólo puede existir con el periodismo. Juan Acha.
16. Se podría sin ir muy lejos decir [que el crítico] es quien ejercita sistemáticamente la actitud crítica, aplicándola a un sector de la realidad y traduciendo con ello un determinado pensamiento y a través de él ciertos criterios o principios de orden intelectual. En el caso del arte, el crítico es quien, partiendo de una realidad determinada –la obra de arte o su equivalente–, elabora un pensamiento, le da contexto, la sitúa en el espacio y en el tiempo; con ello la valoriza, la inserta en un orden racional y la difunde. Fermín Fevre.
17. Se advertirá que el crítico es algo más que un comentarista, aficionado del arte. Durante mucho tiempo –desde mediados del siglo XIX– la crítica de arte fue ejercida principalmente por poetas y escritores (desde Baudelaire hasta Apollinaire, pasando por muchos otros). Fermín Fevre.
18. El trabajo del crítico es ante todo un trabajo emancipador. Louis Panabière.
19. El crítico es un hombre que enseña a leer a los demás [...]. El crítico es un intérprete entre el escritor y el lector. H. Bars.
20. Aquellos que predican dogmáticamente la necesidad de la crítica, son habitualmente los que no toleran que ésta se ejerza con respecto a ellos. J. Brun.
21. La mayoría de los críticos son hombres que no han tenido mucha suerte y que, en el momento del máximo desespero, encontraron un humilde puesto tranquilo de guardián del cementerio. Dios sabe lo apacibles que son los cementerios; nada hay más alegre que una biblioteca. J.P. Sartre.
22. Los artistas: no hay críticos; los críticos: no hay artistas. Ida Rodríguez Prampolini.
23. No muchos artistas cuestionan la crítica cuando ésta les es favorable. OG.


Notas
[i] Una versión más corta se publicó en El pensamiento que une, transdisciplina en el quehacer de Omar Gasca, de Alma Ortiz, CUIH, México, 2003.
[ii] Si no se realiza próxima a la aparición pública de los productos artísticos, pierde parte de su sentido. Cuando va a dar a libros, las reflexiones pueden ser de orden crítico pero se inscriben entonces, más bien, en el ámbito de la historia del arte.
[iii] La palabra “deconstrucción aparece por primera vez en Lyotard, J.F., Discours, figure, París, Klincksieck, 1971. Traducción al castellano: Dicurso y figura, Barcelona, Gustavo Gilli, 1979.
[iv] Como siempre lo dijo Juan Acha.


Sobre el libro-objeto o libro de artista. Tomado del libro Todo pasa, de Omar Gasca

Del libro libro al libro de artista o libro-objeto[i]

Un libro es, en principio, un continente, un contenedor, sobre todo, de textos. Es esa cosa que se inspiró en los pequeños cuadernos hechos con tablillas de madera unidas con hilos y que ha permanecido hasta nuestros días por su eficaz capacidad para contener ideas y transportarlas. El libro es, ha sido y todavía será por algún tiempo el gran protagonista de la cultura portátil, hoy en compañía del CD, el DVD y distintos dispositivos portátiles que almacenan y respaldan información digital, la mayor parte de ellos conocida como memorias USB[ii].
Hay libros sagrados, libros apócrifos, libros herméticos, libros prohibidos, libros censurados, libros de contabilidad, libros de oro, de ritual, de texto, de texto gratuito; libros de coro, de inventario, de cocina, de viajes, de ciencia, de arte, de técnica; libros que hablan de libros, libros que hablan de imágenes, libros que hablan de cómo se hacen los libros, libros que no dicen nada. Recordamos, entre otros, el Libro de los Muertos, el Libro de Enoc, el Libro de Alexandre, el Libro de Concordia, el Libro de Horas, el Libro Rojo, el Libro Vaquero (aunque éste es una historieta, un cómic), y los de narrativa, poesía y ensayo, y los E-books o libros electrónicos, todos con contenidos peculiares y destinados a satisfacer funciones específicas vinculadas con la preservación, la extensión de la memoria, la información, la cultura, la difusión de ideas, el entretenimiento, la reflexión y los modos para hacer algo o pensar algo.
Entre los más vendidos en diferentes idiomas a lo largo de la historia, por citar unos cuantos, El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha (Cervantes, claro), Harry Potter y la piedra filosofal (J.K. Rowling), El código Da Vinci (Dan Brown) y la Biblia, claro, cuyo nombre, por cierto, pasó al latín del griego biblia o “libros”, forma diminutiva de byblos, a su vez el término para papiro (o papel), pero el que se exportaba desde el antiguo puerto fenicio de Biblos. De ahí, biblioteca, bibliografía, bibliófilo, bibliómano, bibliomancia, bibliología; porque lo otro es liber, libri, origen de libro, palabra referida también al material vegetal utilizado en la antigüedad para hacer libros.
Por su carácter artesanal, cuando el libro se hacía íntegramente a mano, se le consideraba un objeto precioso y exclusivo de unos cuantos. Con el ascenso de la burguesía, en los siglos XIV y XV, la posición social, cultural y económica de ésta le posibilitó comprar libros. El libro se democratizó más o menos a partir de 1450, después de la invención de la imprenta de tipos móviles, atribuida a Gutenberg; aunque no es que los tirajes aumentaran considerablemente porque entre esa fecha y 1700, más o menos, las ediciones fueron en promedio de mil 200 a mil 500 ejemplares y hay que recordar que en la Roma antigua hubo talleres en que los escribanos hacían hasta 300 o más copias y que, por ejemplo, en el valle del Rhin, poco antes de la aparición de la imprenta, los copistas realizaban hasta 600 copias del mismo libro (recuérdese aquí, de paso, la trama de El nombre de la rosa, de Umberto Eco, que llegó al cine con Sean Connery).
No es sino hasta el periodo comprendido entre finales del siglo XVIII y principios del XIX que la producción empezó a mecanizarse y a alcanzar grandes tirajes, con la consecuente desaparición virtual del libro raro, el libro como pieza. Aquél ganó difusión y público, pero perdió unicidad y, en cierto modo, intensidad. Poco después surgieron las encuadernaciones y presentaciones de lujo, destinadas a coleccionistas y élites. El libro, objeto portátil, se convirtió rápidamente en un
irremplazable vehículo proveedor de información, en el protagonista principal de la difusión de ideas, en el responsable de una primera globalización o mundialización.
Hoy se dice que la Era Gutenberg ha terminado, que el libro desaparecerá.
Cuando surgió la fotografía, se dijo que moriría la pintura; cuando apareció el cine, que morirían la literatura y el teatro; cuando nació el video, que moriría el cine. Nada de eso ha ocurrido ni por fortuna nada parecido a la antiutopía de Bradbury Fahrenheit 451, de 1953 y llevada al cine por Truffaut en 1966, en que el cuerpo de bomberos se dedica a localizar libros clandestinamente resguardados para quemarlos porque su lectura produce infelicidad, mientras los miembros de una suerte de movimiento de resistencia memorizan cuanto ejemplar cae en sus manos, a fin de preservar su contenido y de trasmitirlo siquiera de manera oral (que la trasmisión oral, la lectura en voz alta, fue un hecho común en el siglo XIX, sobre todo los espacios públicos de la Francia del Segundo Imperio).
Gracias a diversos fenómenos sociológicos, a los muy bajos índices de lectura de la actualidad, al precio de los libros, a los productos multimedia y sobre todo a Internet, se dice que el libro desaparecerá. Es desalentador que en nuestro país, por ejemplo, para alrededor de 110 millones de habitantes publiquemos por año apenas 150 millones de libros, lo que equivale a 1.36 textos por persona al año, lo que por otra parte explica nuestro verdadero nivel educativo, al margen de estadísticas maquilladas. Sin embargo, como dijo Catherine Coleman al referirse a una edición electrónica de libro interactivo en la Feria de Frankfurt, “ese ejemplar habla de la vitalidad del libro y de las nuevas interpretaciones que los artistas plásticos dan al libro clásico"; es decir, que hay nuevas formas de hacer libros que quizá lleguen a corresponder de mejor manera con los tiempos y los públicos actuales. Uno de esos casos es el que se refiere al libro de artista o libro-objeto.
El libro-objeto puede hallar sus orígenes en los manuscritos sobre papiro hallados en las tumbas de la primera dinastía del Antiguo Egipto y más acá en los manuscritos medievales, en los primeros libros atribuidos a Gutenberg
[iii] o en los incunables, es decir, lo libros realizados durante los primeros 50 años de la imprenta tipográfica[iv], por ejemplo Los dotze treballs de Hèrcules de Enrique de Villena y La Celestina de Fernando de Rojas.
Hay quien afirma que los primeros impulsores de los libros-objeto o libros de artista son Ambroise Vollard y Kahnweisler, los marchands o agentes vendedores de Picasso y Braque, historia que siempre cuentan los franceses, en gran medida patrocinadores, tutores, padrinos, protagonistas y promotores del eurocentrismo y del afán de considerarse papás de todos y de todo. Otros piensan en Jazz, el libro ilustrado de Henri Matisse, también francés, para no variar.
Como sea, un libro-objeto o libro de artista (livre d’artiste, en francés) es un dispositivo contemporáneo que reúne en un sólo cuerpo de obra la posibilidad de desarrollar contenidos de diverso género, preferiblemente plástico o visual, bidimensional y tridimensional, con elementos que actúan en igualdad de circunstancias, satisfaciendo funciones y relaciones de interdependencia, sin que se privilegie ninguno, es decir, no como ilustraciones de o para un texto, por ejemplo. Continente y contenido en cierto modo valen por igual y sus distintos componentes, al sumarse, buscan ofrecer una mayor riqueza significante. Puede haber texto, pero no tiene por qué ser éste el elemento más importante; de hecho, una buena parte de los libros-objeto conocidos carecen completamente de palabras, si descontamos la portada.
El propósito es crear vehículos de circulación mínima pero efectiva, más asociados con la conciencia, la intimidad, el placer, las evocaciones y las sensaciones tactovisuales que con las ideas típicas de consumo; más con las sugerencias que con la literalidad. En ellos, cuando la palabra está completamente ausente, su internacionalización se facilita al no requerirse, fuera del título, traducción alguna.
Parte del sentido del libro-objeto es su carácter lúdico e íntimo y su capacidad para incorporar valores propios tanto del trabajo artesanal cuanto del que involucra tecnologías nuevas (por eso, entre otras cosas, se trata de un producto postmoderno), enfatizando los lenguajes de los materiales y las bondades de éstos para afirmar cualidades emparentadas con el tacto, con la sensibilidad estética, pero también con la inteligencia y sobre todo con la oportunidad de contradecir un poco la estandarización que proviene de la oferta de la cultura de masas. En suma, un libro-objeto o libro de artista es un género de obra que sin ser pintura la admite, que sin ser música puede contenerla y que puede integrar contenedores y contenidos, diseños gráficos y tipográficos, dibujos, impresiones, olores, colores, texturas, ingenierías de papel, suajes, objetos construidos, objetos “encontrados” y traídos, materias, materiales y procedimientos de distinta índole pero, sobre todo, ideas. Lo han dicho ya Ernesto Yee y Ulises Carrión, entre otros: un
libro-objeto puede no tener páginas; los escritores no escriben libros, escriben textos. Decimos que alguien “escribió” un libro, pero el libro-libro es otra cosa, una cosa que se hace con lo escrito, después de que ya está escrito. El libro de artista o libro objeto es todavía más otra cosa.
De acuerdo con un diccionario cualquiera, un libro-libro se define como la “reunión de muchas hojas de papel, vitela, etcétera, que se han cosido o encuadernado juntas con cubierta de papel, cartón, pegamento u otra piel, etcétera, y que forman un volumen”. Los libros, en su origen, fueron casi exclusivamente continentes de textos (así fueran jeroglíficos), a veces adornados, pero es evidente que pueden contener y de hecho contienen otros lenguajes, además del literario, desde imágenes hasta signos musicales, es decir partituras, pasando por texturas, olores y hasta sonidos.
El libro-libro es una estructura y el artista visual busca dentro de ella modos distintos de relación y expresión y mediante aplicaciones propias de conceptos y formas crea nuevos códigos. En los libros-objeto emplea nuevos signos y símbolos, elementos visuales y sonoros, elementos tipográficos y otros, y da a la página, si la hay, al paquete o al soporte, al contenido y al contenedor la categoría de espacio artístico, que exhibe una estructura en la que participan el lenguaje semántico y el lenguaje estético. Nada tiene en ellos, aisladamente, una consistencia propia. La estructura del libro-objeto se constituye por la suma de todos sus elementos y el mensaje final que oferta al espectador-lector es el libro en sí, el libro en su totalidad, el libro como un todo; el libro como una entidad artística propia. En este sentido, sigue sin que se lo proponga algunos principios de la Teoría de la Gestalt: el todo es más que la suma de las partes; las partes se subordinan al todo. Se parece un poco a la idea de Marshall McLuhan acerca de
que “el medio es el mensaje”, por cierto teoría y lema que fue emblema de la contracultura de los 60.
Algo de irreverencia está en el fondo del libro-objeto, además de la intención de ir más allá del lienzo, del papel, de la obra plástica convencional. “Ejemplo de ello son los libros de artistas conceptuales, como el norteamericano Joseph Kosuth y el grupo Art and Language, y de otros más irrespetuosos con el concepto de ‘arte’, como los del grupo ‘Fluxus’. Algunos artistas, el francés Christian Boltanski entre ellos, han trabajado basándose en la misión originaria del libro como medio documental, mientras que otros, como el alemán Anselm Kiefer, han operado sobre la realidad del libro como objeto tangible y susceptible de ser recorrido en distintos sentidos y en distinto orden”
[v].
Respecto a la producción de los libros-objeto, hay tres categorías importantes: el libro-objeto único, el libro-objeto de pequeño tiraje, realizado manualmente, y la edición auto-impresa, que puede alcanzar ediciones de 500 ejemplares o más, reproducidos mecánicamente.
Los trabajos “únicos" incluyen el libro de apuntes o bocetos, el diario, el diario visual, el libro autobiográfico, el libro de anteproyectos, el libro de proyectos, los libros temáticos, la agenda comentada, los incunables simulados, los libros documentales, los libros accidentales, los libros de juegos, los libros-maqueta y otros.
El libro-objeto de pequeño tiraje comparte algunas de las características del libro único y de las ediciones autoimpresas. Como si se tratara de obra gráfica, su tiraje suele ser de 5 a 50 ejemplares, alcanzando a veces los cien.
Las ediciones autoimpresas generalmente implican el empleo de computadora e impresora (antes el mimeógrafo y la fotocopiadora), aunque suelen incluir algún género de intervención directa sobre papel o alguna otra clase de material. Muchas veces se acompañan de textos que van de cortos a largos y abordan prácticamente cualquier tema, desde historias familiares hasta falsas cartografías, pasando por genealogías, códigos secretos, teorías, teorías absurdas, monografías, juegos de palabras, poesía visual, alfabetizad visual, lecturas alternativas, dobles lecturas, geografías simuladas, analogías entre escrituras, estadísticas fantásticas, falsos inventarios, bitácoras, registros tales como cardiogramas, performances sugeridos, guiones de diverso género, falsos Know How
[vi], tratados de geometría, conciertos silenciosos, narrativas visuales, documentación textual y visual contestataria, juegos de sinestesia y listas de cualquier tipo, entre otros.
Por supuesto, la gran ventaja del libro de artista o libro-objeto es que se opone a la especialización, al encasillamiento, a la linealidad, porque significa para el artista la posibilidad de abarcar diversos géneros, lenguajes y técnicas. Para quienes pintan y hacen música, o dibujan y escriben y diseñan, o hacen estampa e ingeniería de papel, por ejemplo, aquél representa la oportunidad de hacer muchas cosas en una sola cosa. Además, permite el trabajo individual y el colectivo: Vicente Rojo y José Emilio Pacheco (Jardín de niños); Vicente Rojo y Octavio Paz (Discos visuales); Gabriel Macotela y David Huerta (De la tierra a la luna), por ejemplo.
[i] Versión de las conferencias dictadas sobre el mismo tema en diversos foros.
[ii] Siglas de Universal Serial Bus, que en realidad se refieren al puerto en que se conectan los dispositivos periféricos.
[iii] La Biblia de Mazarino o la Biblia de 42 líneas, edición de la Biblia impresa en Maguncia, Alemania, entre 1450 y 1456.
[iv] 1450 a 1501.
[v] “Libro”, Microsoft Encarta 2006, Microsoft Corporation 2005.
[vi] “Saber cómo”, es decir, manual de algo, pero al modo de la obviedad didáctica de los norteamericanos.


Sobre arte y confusión. Tomado del libro Todo pasa de Omar Gasca

Arte y confusión
"La idea de modernidad empieza a perder vitalidad.
La pierde porque ya no es una crítica sino una
convención aceptada y cotidiana.
En lugar de ser una herejía como en el siglo pasado
y en la primera mitad del nuestro,
se ha convertido en un artículo de fe que todos comparten”.
Octavio Paz

"Si los artistas contemporáneos aspiran a ser
originales, únicos y nuevos, deberían empezar por
poner entre paréntesis las ideas de originalidad, personalidad
y novedad; son los lugares comunes de nuestro tiempo".
Octavio Paz

Arte es el proceso de cambio del significado del arte.
Gaweski-Gasca

"Debemos liquidar esta cosa disparatada llamada
arte para hacer posible que todo el mundo sea creativo.
Es nuestra obligación convertirnos en auto-destructivos
de una manera constructiva. Debemos liquidar, no sólo nuestra
función como artistas, sino también el sistema del arte”.
Manifiesto de la Coalición Internacional para la Liquidación del Arte

Desde los inicios del siglo XX hasta nuestros días, en el ámbito del arte y la cultura hemos presenciado una constante y acelerada aparición de movimientos, tendencias y estilos que, comparados con el pasado, reflejan actitudes y pretensiones peculiares: ruptura de normas, desacralización de la obra de arte, repudio al consumismo, negación del objeto de arte como valor material, entre otras, sobresaliendo la idea de “libertad absoluta”: todo se puede, todo vale.
Esta "libertad absoluta" se ha dejado influenciar por el descrédito de la razón como sistema absoluto, por la relatividad asociada con las especulaciones de las ciencias y por las filosofías que renuevan sus sistemas a partir de impugnar, negar, reprobar, condenar algunos enunciados e inclusive ciertos juicios de valor, argumentando con razón o sin ella la falta de veracidad de éstos.
En torno a la libertad absoluta, la ruptura de normas y la desacralización de la obra, hay contribuciones diversas a lo largo de la historia del arte y la cultura. "El que encuentra algo, sea lo que fuere, aun sin buscarlo, despierta no sólo nuestra curiosidad, sino nuestra admiración", dice Picasso. El problema es, quizá, que interpretamos demasiado a la letra esa idea de “lo que fuere”. Y un poco así con Duchamp, a quien le debemos en buena parte la idea de hacer idea del arte, abusando a veces.
Desacralización, ruptura de normas, negación del objeto, irreverencia, libertad absoluta, fueron y continúan siendo actitudes y pretensiones que dieron cabida a todo tipo de interpretaciones, un poco “a la carta”, es decir, ajustadas, adecuadas, apropiadas al talento, oficio, percepciones y conceptos de cada artista o individuo dispuesto a serlo o parecerlo.
De la mano de ciertas tesis propias de los sistemas de consumo, como es más fácil hacer algo nuevo que algo bueno (aunque, claro, puede haber algo bueno y nuevo a la vez), se desarrolló un culto exacerbado a la innovación: lo nuevo por lo nuevo, lo nuevo como un valor por sí mismo; la originalidad sustentada no en lo que posee origen sino en la novedad. Si es distinto o diferente de lo que había, vale, por más que carezca del menor sentido. Y no hablamos aquí de las propuestas que intencionalmente buscan no tener sentido para precisamente tenerlo, al insertarse como
objetos, formas o sistemas que cuestionan el status quo o que se oponen a los valores dominantes, sean artísticos, culturales, sociales u otros.
De modo que, como resultado de las limitaciones, y menos de las potencias o alcances, la creación artística fue orientándose a la innovación, a la extravagancia y al sensacionalismo, ignorando o pasando por alto que la originalidad es una consecuencia y no un fin. Como dice Gombrich: “La tradición de lo nuevo ha reducido todas las demás tradiciones a algo trivial...". Había que inventar un ismo: futurismo, tachismo, neoísmo, loqueseaísmo… De hecho, la caída de las vanguardias se debe, entre otras cosas, a esa gran obsesión de lo nuevo por lo nuevo, además, claro, de la habitual importación de modelos y su linealidad evolutiva.
A propósito o sin más alternativa, fueron sucediéndose expresiones que, en conjunto, perfilarían un “anti-arte”, en principio dotado de características irreverentes que hoy por hoy no asombran ni escandalizan a las abuelas y que se hallan perfectamente asimiladas.
Para aumentar la confusión, el anti-arte dejó de ser tal en cuanto fue digerido y equiparado, absorbido e inclusive reproducidas sus formas por las masas y hasta por los distribuidores de cultura de masas. La irreverencia, la excentricidad, la negación, fueron absorbidas y el anti-arte pasó a ser patrimonio de aquéllos a quienes originalmente cuestionaba y quería contradecir. Hoy, con bastante asomo de cinismo, suele decirse que es mucho mejor negocio la anticultura que la cultura. El sistema iguala y diluye, ya se sabe. En tres patadas el sistema hace de Elvis una pelvis, del Diario del Che un best seller, del Che mismo un John Travolta, de Morrison un Drogadicto, de Janis una huérfana, del futbol una amante y de las luchas el gran teatro.
El artista contemporáneo se ha liberado del objeto y por tanto ha alcanzado una suerte de “ilimitación” que en muchos casos se traduce en obras o en experiencias estéticas originales y dotadas de sentido, si bien muchas veces tal permisividad le conduce a justificar diversas incapacidades conceptuales y formales, todo ello inmerso en un cada vez mayor desinterés del público por el arte y gracias a una tendencia cada vez más generalizada hacia el facilismo.
Los argumentos precisos, unívocos, estables, “definitivos” que articulaban nuestra comprensión del arte han caído o variado sustancialmente y nos vemos por tanto empujados a la indiferencia, a la ignorancia, o a construir andamios nuevos que nos permitan entender nuestro tiempo.
Esto es válido para las artes, las ciencias y las técnicas, pero es sin duda el ámbito del arte, el de la cultura, el más confuso.
Las preguntas más importantes con respecto a las confusiones en el ámbito del arte y la cultura se relacionan con el sentido y la función.
Ante cualquier reproche se puede escuchar: “Así es mi estilo”. El estilo como producto de las limitaciones, no de los alcances. Limitaciones conceptuales y formales: no hay ideas, no hay oficio. No hay nada que decir y, así, el arte se convierte en un objeto sin objeto ni público. ¿No dice Burckhardt que quizá haya hoy en algún lugar grandes hombres para cosas que no existen? La sinrazón; algo muy lejano en todo caso a la idea surrealista de que la razón debe ser subversiva o no ser razón. El facilismo, todo es todo, nada es nada y, con ello, una suerte de neutralización y de burocratización del arte que, en se momento, deja de ser vivo. El arte sólo es vivo si es insurrecto y, así, “es fuente permanente de perturbación –como dice Herbert Read–. Es revolucionario por esencia. El artista es lo que los alemanes llaman ein Rüttler, quien trastorna el orden establecido”. Pero insurrección, originalidad, revolución, aportación, irreverencia, en todo caso, no equivalen a mafufadas o mamadas
[i].
Con relación a las artes visuales, los factores que más han contribuido a la confusión son la proliferación de los medios de creación, con respecto a los cuales la familiaridad suele pasar por conocimiento; la elástica idea de que cualquier cosa que se sustente en un concepto puede ser arte; la flexible pero rígida idea de que todo es todo y nada es nada, es decir, una aguda relativización; la torpe idea de que la irreverencia gratuita es un valor por sí misma; la igualmente torpe idea de que lo nuevo, sólo por ser nuevo, es un valor; las oposiciones irreflexivas a la forma, el oficio, la belleza, el sentido; la adopción de paradigmas postcoloniales que afectan todos los procesos de construcción de subjetividad, tanto en los emisores como en los receptores; la idea de que ya sabemos todo; el miedo a preguntar, a repensar y a discutir; la ausencia de autocrítica y de crítica o, más bien, de un corpus crítico, y la parcial o completa marginalidad (léase ignorancia y en el mejor de las casos inocencia virginal) de críticos y público con respecto a los nuevos medios de creación y difusión.
Contribuye a la confusión, además, la expansión de la industria del entretenimiento, que iguala, absorbe o matiza (y a la larga diluye) a las prácticas artísticas, convirtiendo al productor en un individuo con buena aceptación, exitoso, famoso, célebre incluso, pero singularizado por su proximidad al escándalo y al espectáculo más que por sus aportes, convirtiendo de paso al crítico, al galerista y al periodista cultural en complacientes cómplices que actúan al servicio de la novedad mientras banalizan su trabajo, de por sí en muchos casos insustancial. Gracias a los acondicionamientos de la cultura de masas, impera un culto por lo espectacular, una vocación por el show, por los reality, que diluye u omite el trasfondo, cuando lo hay. Las series Jackass y The Osbournes son para muchos un modelo, lo mismo que Warhol o Basquiat, no importa que los antecedentes, el pretexto y el contexto sean otros.
De otro lado, está el fenómeno de la transformación de las galerías-negocio en negocios a secas, cada vez menos comprometidos con la calidad y más con la novedad, en perfecta armonía con los paradigmas del mercado que afirman que si es nuevo es mejor y que si es nuevo hay que comprarlo. Todo lo que no es nuevo, es desechable. El arte está obligado a aportar, pero aunque efectivamente en la cualidad de lo insólito gravita o radica esta posibilidad, no toda innovación es insólita ni toda innovación aporta. Lo nuevo por lo nuevo, la valoración y aprecio de lo nuevo sólo por ser nuevo, responde a la necesidad de vender y adquirir variables, es decir, cosas que se caracterizarán por ser distintas y no necesariamente por ser buenas o eficaces o mejores, ni por estar dotadas de sentido o ser verdaderamente aptas para satisfacer una función.
Y confunde, también, la saturación, frecuencia y recurrencia de mensajes y efectos visuales y/o audiovisuales (televisión, cine, internet, X-box, Game Boy, Nintendo), que por su carácter dinámico y por su complejidad seducen, primero, y generan, después, percepciones de empobrecimiento en torno a otras expresiones visuales que carecen de la cualidad time-based-art, en una época en la que dos de los conceptos más apreciados son el movimiento y la velocidad o, quizá más precisamente, la aceleración e, inclusive, la intervención del individuo en el proceso de aceleración.
Y hay que sumar la negación al cambio, acompañada de intolerancia y desprecio por expresiones, lenguajes y medios que rebasan lo ya aprendido; la complicidad de los límites, no de los alcances, al estilo del cuento de Andersen en el que todo mundo “ve” el traje de oro que lleva el rey y que sólo es visible a los inteligentes, y la autorreferencia, es decir, tomarse a uno mismo, exclusivamente, como fuente teórica o argumental de todo.
“Lo que hoy llamamos arte, ¿es y seguirá siendo arte?”, pregunta Eco. Cuando vemos una cosa, vemos sobre todo nuestra relación con esa cosa. ¿Qué vemos cuando vemos una supuesta obra de arte? ¿La veríamos igual si no se nos dijera o hiciera saber que es una obra de arte? Supuesta o realmente reconocemos, explicamos e interpretamos la obra de arte pero, ¿qué va primero? ¿Podemos identificar una obra de arte, distinguiéndola de los objetos no artísticos, sin preguntar antes qué es una obra de arte, por qué lo es? Y, ¿podemos interpretarla, es decir descifrar sus significados y apropiárnoslos, cuando tales significados dependerán seguramente de que precisamente se trate de una obra de arte y no de un objeto no artístico, lo que no sabremos sino hasta después de identificar y explicar o de explicar e identificar? ¿Qué va primero? Y, ¿a qué atenerse? ¿A la teoría institucional, en la cual el veredicto de la cualidad artística corresponde a las instituciones que reúnen a funcionarios culturales, galeristas, críticos, coleccionistas y otra clase de especialistas? ¿O a la teoría intencional o expresiva, es decir, en la que la obra de arte se entiende como lo dispuesto por el propio creador, aquello que adquiere sentido desde el artista? ¿O la funcionalista o social, que sostiene que la obra de arte desempeña una función y es creada necesariamente de acuerdo con ciertas reglas y procedimientos? ¿O la teoría simbólica, en la que el principio general del arte es la manifestación sensible de una idea, es decir, que “la obra encarna su sentido”? ¿Alguna otra? ¿Y contarán, para cualquiera de los casos, la sociedad en que se produce la obra, la época, el sistema artístico al que pertenece, el individuo que la produce y la o las diferencias que con relación a otras obras tiene? ¿Tendría sentido preguntar qué distingue al arte de la ciencia y de la técnica y en qué son afines? Aportar, ¿no es la clave?
Aportar qué, es la otra pregunta (¿elementos a la conciencia?), pero aun sin ella por lo menos hay que reconocer, como tarea inaplazable, la necesidad de preguntar y encontrar respuestas, así sea provisionales, antes que mantener un sistema facilista, cómodo y comodino, conformado y conformista que hace de andamio de la confusión, a la que entre otras cosas se debe el desinterés de los públicos. ¿De qué sirve esa re-creación selectiva de la realidad que es el arte?
Picasso no desautorizó, no desmintió lo que en 1952 se publicó como su testamento, aunque vivió alrededor de 20 años más. Aun con la incertidumbre que pudiera representar su origen, vale la pena reproducirlo aquí, sin ánimo de causar zozobra ni desconcierto, como un estímulo para la reflexión:
"Dado que el arte ya no es el alimento de los mejores, puede usar el artista su talento para todos los cambios y caprichos de su fantasía. Quedan abiertos así todos los caminos hacia la charlatanería intelectual. El pueblo ya no encuentra en el arte ni solaz ni elevación alguna. Pero los snobs, los ricos, los indolentes y los que quieren llamar la atención, buscan en él lo extraño, lo original, lo excéntrico y lo chocante. Yo he contentado a los críticos con las innumerables bromas que se me ocurrieron y que admiraban tanto más cuanto menos las entendían... Hoy día no soy solamente famoso sino también rico. Pero cuando me encuentro a solas conmigo mismo no puedo considerarme como artista en el sentido excelso del término. Grandes pintores fueron Giotto, Tiziano, Rembrandt y Goya. Yo soy solamente un payaso que entendió el tiempo en que vivió y supo aprovechar toda la estupidez, lascivia y vanidad de sus conciudadanos".
Luego leemos a Warhol: "El arte del negocio es el paso que sigue al arte en sí. Yo comencé como un artista comercial y deseo acabar como un artista del negocio... Ser bueno en los negocios es el más fascinante tipo de arte... Hacer dinero es arte y trabajar es arte y los buenos negocios son el mejor arte".
[i] Véase en el diccionario: Mamada, despropósito; Mafufo, loco.